Navaja. Faca. Cuchilla. Machete. Puñal. Estilete. Bisturí. Trincheta. Arma blanca. Sacabuche. Filo. Daga. Sable. Catana. Bayoneta. Punta. Verduguillo. Lanceta. Escalpelo. Cuchillo. Espada. Perforación. Ahuecar. Excavación. Orificio. Agujero. Boquete. Hoyo. Traspasar. Atravesar. Público. Afuera. Externo. Intemperie. Exterior. Privado. Interno. Intimo. Secreto. Oculto. Cubierto. Adentro. Fragmentación. División. Partición. Diferencia. Tráfico. Paso. Confrontación. Tensión. Flujo. Cruce. Traspaso. Tránsito. Circulación. Movimiento. Vía. Cloaca. Conducto. Puente. Canal. Intersección. Apertura. Andarivel. Plataforma.
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“Las ciudades son un conjunto de muchas cosas: memorias, deseos, signos
de un lenguaje; son lugares de trueque, como explican todos los libros de historia de la economía,
pero estos trueques no lo son sólo de mercancías, son también trueques de palabras, de deseos, de
recuerdos”.
ANFIBIOS representa en esencia, un trabajo multidisciplinario y en colaboración entre diversos artistas atravesados por lo urbano. En un período de tiempo delimitado y con una dinámica de residencia artística, este grupo de individuos utiliza el proyecto en la Fundación Santander como taller laboratorio para profundizar en su obra reflexionando sobre el contexto. La diversidad en esta experiencia indaga en el complejo diálogo contemporáneo que existe entre el espacio público y privado, los objetos que lo componen y las personas. Las propuestas nos llevan de lo conceptual y abstracto, a lo erótico, cotidiano e histórico. En este proceso, el espacio de la Fundación se resignifica a través de un ritual de creación generado de forma colectiva. En este intercambio dinámico entre el adentro y afuera, los espacios se nutren de nuevas miradas que proponen y abren nuevos puntos de vista.
Julián ManzelliCurador
ELIAN CHALI
Elian Chali
Puñal (2022)
Instalación de sitio específico.
Tabiquería, yeso y pintura mural.
16x3x0.6 mts.
Elian Chali (1988, Córdoba ) @elianchali
Artista visual sin estudios académicos, se forma de manera autogestiva y a través
del contacto con otros. Participa como agente activo del circuito contracultural
argentino y hace gestión independiente.
La última década su trabajo se proyectó internacionalmente, con muestras y proyectos
en más de 30 ciudades de países como Argentina, Australia, Bélgica, Brasil, Canadá,
Chile, Emiratos Árabes, España, Estados Unidos, Inglaterra, Francia, Alemania,
Italia, Marruecos, México, Polonia, Portugal, Perú, Paraguay, República Dominicana,
Rusia, Uruguay, Ucrania, Taiwán, entre otros. Como activista del colectivo de
personas con discapacidad, forma parte de Torceduras & Bifurcaciones, foro de
corporalidades políticas. Si bien en el plano del lenguaje, su trayectoria destaca
por una prolífica producción de murales de gran formato, en paralelo Elian se
desarrolla en diversas áreas como la escritura, la fotografía, la producción de obra
de estudio y el trabajo de curaduría.
FRANCO FASOLI
Franco Fasoli
Memoria Selectiva (2022)
Instalación de sitio específico.
Grupo escultórico en Poliestireno, Poliuretano y Madera.
Medidas Variables
Fasoli escoge y opera a partir de una serie de monumentos, frisos y esculturas del escultor Alfredo Bigatti que representan momentos claves de la historia argentina y sus próceres. Monumentos que fueron creados siglos atrás en materiales nobles para perdurar en el tiempo y destacarse en el paisaje urbano. Fasoli los rescata, pero a la vez se los apropia para fraccionarlos, desterrarlos y sacar a pasear estas esculturas intocables en reproducciones hechas de materiales efímeros, livianos y baratos como el poliestireno (más conocido como Telgopor).
Ver videoFranco Fasoli, (1981, Buenos Aires) @francofasolijaz
Escenógrafo y muralista que también responde al nombre de Jaz. El arte de Fasoli está influenciado tanto por los estudios de cerámica realizados a lo largo de su trayectoria como por su trabajo en la calle entendiéndola como un lienzo desde finales de los 90s. Luego de esta etapa, Franco deja atrás el graffiti tradicional para introducir en su temática las vividas contradicciones de las sociedades latinoamericanas, sus rituales y su aparentemente perenne inestabilidad. Así, una de las características principales de su trabajo es la exploración a nivel material y escala. Desde pinturas de gran formato en el espacio público hasta pequeñas obras en bronce o papel, se puede observar que la oscilación de contextos y recursos son los nutrientes que alimentan su obra. La tensión entre la cultura dominante global y las sub-culturas como espacio de resistencia, han sido también materia de estudio a nivel conceptual y en el propio accionar a lo largo de su carrera. Las múltiples formas de identidad tanto individual como colectiva son la columna vertebral de esta influencia sociológica del artista. Representado a través del conflicto, el enfrentamiento y la yuxtaposición discursiva, Fasoli no pretende responder a la incógnita, sino más bien rediseñar el planteo constantemente, cuestionar al cuestionamiento y volverse a cuestionar a él mismo.
MILU CORRECH & NICOLÁS ROMERO
Milu Correch & Nicolás Romero
Fecha de Vencimiento (2022)
Instalación de sitio específico.
Pintura acrílica sobre lienzo y objetos intervenidos.
4 Bastidores de 4x4 mts
La colaboración entre los artistas Milu Correch y Nicolás Romero contrapone diversas miradas que surgen a partir de la creación de una memorabilia performática de la sociedad de consumo y sus objetos. La producción de la obra agregó al trabajo mural, diversas excursiones urbanas de recolección de objetos que abrieron la dimensión instalativa en la propuesta. En tiempos de capitalismo tardío y decadencia, nos encontramos por un lado con el culto a los objetos de belleza artificial que juegan con nuestra nostalgia en los límites del Kitsch y por el otro, la herida y el desgaste de la obsolescencia programada en una representación cruda y real.
Ver videoMilu Correch (1991, Buenos Aires ) @milucorrech
Nacida en Buenos Aires, cuando las paredes de su barrio comenzaron a cubrirse de pinturas murales, decidió aventurarse a ese formato que hoy es una de sus actividades principales. Cuando los tiempos se lo permiten, se dedica a la obra de estudio pintando en escalas más íntimas y pequeñas en las que experimenta nuevas preguntas pictóricas. Considera su pintura como unos primeros pasos erráticos de un largo camino para andar. Durante los últimos años su trabajo la llevó a ser parte de innumerables festivales internacionales de muralismo que le permitieron llevar su obra a diversos rincones del planeta. Su trabajo contiene una carga dramática que nos proyecta a hermosas postales de nuestra realidad urbana contemporánea evidenciando sus contradicciones, problemáticas y decadencias. A través de sus personajes, paisajes y composiciones, su obra nos zambulle a una ficción brutal y expresiva con una profundidad poética y simbólica que moviliza y cautiva.
Nicolás Romero (1985, Buenos Aires ) @eversiempre
Comenzó hace veinte años firmando Ever y haciendo graffiti en las calles de su Buenos Aires natal, una ciudad que vivía la resaca de una dictadura militar y entendía el arte en la calle como una expresión de libertad. Se alejó del graffiti para comenzar a desarrollar un trabajo mural con el que experimenta y juega con su carga simbólica en su enfrentamiento con el espacio público. La formación en pintura y dibujo de Romero se inicia en el año 1999 con Ariel Olivetti y entre 2007 y 2008 estudia en el Centro Cultural Rojas. En 2014 es seleccionado para el programa de artistas de Facebook y a partir de 2019 participa en el método de estudio “Clínica de obra” con la artista Diana Aisenberg. En las últimas décadas su trabajo toma relevancia internacional, llevándolo a participar en diversas exposiciones y festivales alrededor del mundo recorriendo países como Francia, Italia, Holanda, Sudáfrica, Austria, Australia, México, España y Estados Unidos. En la actualidad, Nicolás viene desarrollando su trabajo en torno a las “Naturalezas Muertas”, con las que a través de la unión de elementos ha encontrado una forma de utilizar la imagen a modo de reflexión social e investigación antropológica. Trabaja a través de huellas que encuentra en su contexto más inmediato, resultado del entramado social y símbolos nacidos de la coexistencia de factores sociales, culturales y económicos. Desde botellas de refrescos a estampas religiosas, símbolos políticos, iconos contemporáneos o algo tan aparentemente inocente como frutas y verduras industrializadas forman parte de estas composiciones que utiliza como puente para hablar de realidades más complejas.
NINA KUNAN
Nina Kunan
Balayage (2022)
Instalación de sitio específico.
Intervención textil en escalera con hilos de raso.
Medidas variables.
Con el objetivo de plantear nuevas formas de sentir contemporáneas e investigar el deseo a un nivel más social, la obra de Nina Kunan propone una confusión de límites entre lo objeto y lo humano. El vestir funciona como un señalamiento de cualidades inéditas sobre elementos inorgánicos que ya existen. Así como también constituye una forma de escultura que puede aportar nuevas motivaciones. Una acción que se manifiesta como un gesto simple y sensual también trae sus provocaciones sutiles. Como una ventana en el tiempo donde esa transformación sucede, nos sorprende y cuestiona. A partir de la performance, esta obra se expande y abre el juego a la participación, resignificando el contexto simbólico e invitando a la acción.
Ver videoNina Kunan ( 1990, Buenos Aires ) @ninakunan
Artista Visual interesada en el vínculo afectivo entre los objetos, las personas y el espacio que habitamos. Partiendo de la arquitectura, el mobiliario, la moda, el cuerpo y el diseño se introduce en la investigación de lo erótico, lo gracioso, el juego y lo sensacional. Es Licenciada y Profesora en Artes por la Universidad de Buenos Aires. Estudió durante varios años costura y tapicería lo que funciona hoy como base para su obra. Realizó taller y clínica de obra con Marina de Caro, Carla Barbero & Javier Villa y Eduardo Stupía. En el 2018 participó del programa de artistas del Centro de Investigaciones Artísticas. Ganó la beca de intercambio BECAR Cultura (Turín, Ministerio de Cultura de la Nación, 2019), la Beca Creación del Fondo Nacional de las Artes (2018) y el Premio Semana del Arte (Ministerio de Cultura de Buenos Aires, 2021). Seleccionada en Salón Nacional (Mención especial textil, 2021), Premio KLEMM (2019) y Premio Proyecto A (2017). Desde el 2020 abrió su sexi-shop Arrepentida en el que hace una curaduría de juguetes eróticos y crea sus propios accesorios. Formó parte de varios proyectos autogestivos como La Baranda Galería, Editorial Muchas Nueces y Proyecto NUM. En 2021 formó parte del programa KM1 del Museo Moderno.
SOL DEL RIO
Sol del Río
Génesis (2022)
Escultura. Mdf, router CNC, pintura automotriz.
2.6 x 2.1 x 2.1 m.
El universo es vasto e incierto, es caos y es armonía. Génesis es el resultado de un encadenamiento de procesos donde una idea abstracta atraviesa diversas dimensiones pasando de lo orgánico a lo digital para transformarse y tomar cuerpo físico. La introspección pandémica rodeada de tecnología y pensamientos impulsó en Sol una nueva experiencia de desarrollo: unir a través de una ruptura. En esta tarea se construye una escultura originada a partir de loops de video procesados, resultado de un registro de luces durante una tormenta eléctrica en el confinamiento. Estás imágenes luego post producidas en animación generan geometrías lumínicas en movimiento. Se seleccionan fotogramas, y se procesan sus extremos cromáticos del blanco y negro, descubriendo un paisaje espacial aparente. A partir de esta secuencia vertiginosa de acciones, lo indescriptible, lo natural y lo sintético confluyen en una pieza que emerge de los fragmentos del espacio transformado. Un proceso metafísico que moviliza energías canalizando fenómenos dinámicos de la naturaleza en procesos creativos del hacer dentro del plano virtual y físico. Un lenguaje en código de simbiosis entre mundos cada vez más fundidos en nuestro devenir transhumanista.
Ver videoSol del Rio ( 1981, Buenos Aires ) @sol_del_rio
Artista Visual que investiga la interfaz como paisaje visual, la simultaneidad espacio-temporal y la intersección entre naturaleza y tecnología. Su trabajo atraviesa la cultura urbana desde el ángulo cibernético, atravesando medios y yendo de lo digital a lo análogo naturalmente. Con una influencia del minimal, tech, post industrial y una mirada astronómica de estética deconstructivista, neo-futurista, combina las artes plásticas con el uso de softwares y dispositivos electrónicos trabajando sobre diferentes soportes, arquitectura y sitios específicos produciendo pinturas, murales, esculturas, música, video, performance e instalaciones. Expuso en ciudades como Buenos Aires, Montreal, CDMX, Miami y Tokyo; en espacios como MALBA, Museo Nacional de Bellas Artes, Cúpula CCK, ArteBA, Museo Nacional de Arte Moderno de Buenos Aires, Pabellón 4 Arte Contemporáneo, Galería Azur, SAT Society for Arts and Technology, Lélia Mordoch Gallery Wynwood, MUTEK Tokyo Japón.
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